Opéra , un drame mis en scène mis en musique dans son intégralité, composé de pièces vocales avec accompagnement instrumental et généralement avec des ouvertures et des intermèdes orchestraux. Dans certains opéras, la musique est continue tout au long d'un acte ; dans d'autres, il est divisé en morceaux discrets, ou nombres, séparés soit par un récitatif (un type de chant dramatique qui se rapproche de la parole) soit par dialogue . Cet article se concentre sur l'opéra dans la tradition occidentale. Pour un aperçu de l'opéra et des traditions lyriques en Asie (notamment en Chine), voir les sections appropriées de la musique chinoise, de la musique japonaise, des arts de l'Asie du Sud et des arts de l'Asie du Sud-Est ; voir également brèves entrées sur des formes spécifiques de l'opéra chinois, telles que chuanqi , jingxi , kunqu , et nanxi .
Le Troubadour Représentation de Giuseppe Verdi Le Troubadour , 2011. Igor Bulgarin / Shutterstock.com
Le mot anglais Opéra est une abréviation de l'expression italienne opéra en musique (travail en musique). Il désigne une œuvre théâtrale consistant en un texte dramatique, ou brochure (livret), qui a été mis en musique et mis en scène avec des décors, des costumes et des mouvements. Mis à part les chanteurs solo, d'ensemble et de chorale sur scène et un groupe d'instrumentistes jouant hors scène, les interprètes de l'opéra depuis sa création ont souvent inclus des danseurs. Variété complexe et souvent coûteuse de divertissement musico-dramatique, l'opéra a attiré à la fois partisans et détracteurs tout au long de son histoire et a parfois été la cible d'intenses critique . Ses détracteurs l'ont considéré comme une forme d'art artificielle et irrationnelle qui défie la vraisemblance dramatique. Les supporters l'ont vu comme plus que la somme de ses parties, la musique soutenant et intensifiant les paroles et l'action pour créer un genre d'un impact émotionnel plus important que la musique ou le théâtre ne pourrait avoir à lui seul. Dans son autobiographie de 1986, le metteur en scène et cinéaste Franco Zeffirelli a mis en garde contre le fait de prendre l'opéra trop au pied de la lettre :
Petits hommes en armure et grandes dames en mousseline chantant l'Egypte ancienne n'ont pas beaucoup de sens à un certain niveau [mais] ils peuvent… nous révéler les confusions d'émotion et de loyauté, la nature du pouvoir et de la pitié, qui ne pourraient pas être exprimés de manière aussi émouvante d'une autre manière.
La préparation d'une représentation d'opéra implique le travail de nombreuses personnes dont les contributions totales s'étalent parfois sur un siècle ou plus. La première recrue, souvent involontaire, est probablement l'auteur de l'histoire originale. Vient ensuite le librettiste, qui met l'histoire ou la pièce sous une forme - généralement impliquant des vers poétiques - qui convient à musical mise en scène et chant. Le compositeur met ensuite ce livret en musique. Les architectes et les acousticiens auront conçu un opéra adapté ou adaptable à des représentations exigeant une grande scène ; un grand backstage pour abriter le décor ; une fosse, ou espace (souvent en dessous du niveau de la scène) pour accueillir un orchestre ; et des sièges pour un public assez large. Un producteur (ou réalisateur) doit spécifier le travail des concepteurs, des décorateurs, des costumiers et des experts en éclairage. Le producteur, conducteur , et le personnel musical doit travailler pendant de longues périodes avec le chœur, les danseurs, l'orchestre et les figurants ainsi que les principaux chanteurs pour préparer la performance – un travail qui peut durer de quelques jours à plusieurs mois. Toute cette activité se déroule d'ailleurs en conjonction avec le travail non seulement des chercheurs et des éditeurs qui préparent minutieusement la partition musicale, notamment dans le cas de reprises d'œuvres oubliées ou publiées depuis longtemps, mais aussi des services administratifs du théâtre. personnel, qui comprend l'imprésario et d'autres responsables des réservations, de la vente de billets et d'autres questions commerciales.
L'une des facettes les plus variables de l'opéra au cours de sa longue histoire a été l'équilibre trouvé entre la musique et la poésie ou le texte. Les collaborateurs des premiers opéras (au début du XVIIe siècle) ont cru créer un genre nouveau dans lequel musique et poésie, au service du drame, se fondaient en un tout indissociable, un langage unique en son genre. — à mi-chemin entre parler et chanter. Au cours des décennies et des siècles qui ont suivi, l'équilibre entre ces éléments s'est déplacé à plusieurs reprises pour favoriser la musique au détriment du texte et de la intégrité du drame, pour être ramené dans une relative équilibre par diverses réformes. Plus d'un équilibre souhaitable entre la musique, le texte et le théâtre est possible, cependant, et au fil du temps, le esthétique les idéaux de l'opéra et de ses créateurs se sont adaptés avec succès à l'évolution des goûts et des attitudes des mécènes et du public, tout en la diversité et des préférences nationales assorties. En conséquence, l'opéra a perduré dans l'Ouest culture depuis plus de 400 ans.
De plus, depuis la fin du 20e siècle, de nouvelles façons de diffuser l'opéra au public - en vidéo et DVD, en cinématographie ou via la diffusion simultanée en haute définition dans les salles de cinéma - ont rendu le genre de plus en plus accessible à un public plus large, et ces nouveautés changera inévitablement les attitudes du public et son appréciation de la forme d'art. Il reste à voir, cependant, comment ces médias pourraient également changer la façon dont les compositeurs, librettistes, impresarios et interprètes abordent l'opéra, et si les valeurs musicales et théâtrales du genre seront par conséquent modifiées de manière fondamentale.
Les historiens de la musique ont continué à débattre de l'ascendance de l'opéra. Les pièces des dramaturges grecs antiques Eschyle, Sophocle et Euripide combinaient drame poétique et musique. Pendant le Moyen Âge , les drames bibliques chantés ou entrecoupés de musique étaient connus sous diverses étiquettes, y compris les drames liturgiques ( ordres ) et des pièces similaires jouées à l'église. Ces formes musico-dramatiques et apparentées sont peut-être devenues des ancêtres indirects de l'opéra, mais les premiers ancêtres directs universellement acceptés de l'opéra sont apparus dans l'Italie du XVIe siècle.
Les tribunaux du nord de l'Italie, notamment celui de la famille Médicis en Florence , ont été particulièrement importants pour le développement de l'opéra. En effet, Florence est devenue le berceau de l'opéra à la fin du siècle, à la suite de la confluence de trois forces culturelles : une tradition théâtrale établie, un sens aigu du civisme humanisme , et une vision typiquement florentine de la musique et de la relation de la musique au cosmos.
Le plus important parmi les facteurs qui ont rendu la Florence du XVIe siècle mûre pour l'avènement de l'opéra était sa longue tradition de théâtre musical, manifesté principalement dans les productions musicales dites intermédiaire (ou intermèdes) qui ont été mis en scène entre les actes de pièces parlées. Intermédiaires servait à la fois à signaler les divisions du drame parlé, puisqu'il n'y avait pas de rideau à baisser, et à suggérer le passage du temps en suspendant l'action entre un acte de la pièce et le suivant et, pendant l'intervalle, en employant des personnages et des thèmes sans rapport avec l'intrigue principale et seulement vaguement liés d'un intermède à l'autre. La cour florentine a offert somptueux intermédiaire , planifié et répété des mois à l'avance et destiné à impressionner les invités avec la richesse, la générosité et la puissance de leurs hôtes Médicis. Pour le soi-disant 1589 intermédiaire , qui a culminé une série d'événements d'un mois pour célébrer le mariage du grand-duc Ferdinand de Médicis ( Ferdinand I ) de Toscane avec la princesse française Christine de Lorraine , une énorme équipe d'artistes, d'artisans, de poètes, de musiciens, d'architectes et de techniciens s'est réunie sous le intellectuel direction de l'éminent aristocrate florentin Giovanni Bardi . En tant qu'esprit moteur du programme, Bardi a travaillé en étroite collaboration avec des poètes et des musiciens locaux, dont certains ont participé aux premières productions expérimentales d'opéra une décennie plus tard. En effet, le 1589 intermédiaire avait bon nombre des mêmes acteurs et presque tous les ingrédients de l'opéra : costumes, décors, effets de scène, chant solo captivant, musique instrumentale colorée, numéros à grande échelle combinant voix et orchestre, et danse. Cependant, il restait à créer l'action unifiée et le style novateur du chant dramatique qui sont restés parmi les caractéristiques de l'opéra.
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